89. DEEP PURPLE - Made In Japan (1972)
A finales de los 60 y principios de los 70, se llevó a cabo una nueva manera de hacer rock, llamada Heavy Metal. Junto con Led Zeppelín, Deep Purple fueron los pioneros en este género. Estos llevaban ya años de trayectoria pero no encontraban su personalidad. Y fue en Julio del 72 en Osaka cuando tocando en directo “Smoke On The Water” se convirtieron en leyenda. Precisamente este tema habla de uno de los momentos más duros en la historia de la banda cuando se les quemó todo el equipo en el festival de Montreux por culpa de un incendio en el escenario en el que actuaba Frank Zappa. En este directo no ocurrió nada trágico sino todo lo contrario; demostraron ser una banda auténtica que podía tocar en vivo casi mejor que en estudio y todo gracias al buen hacer del “guitar hero” Ritchie Blackmore, el “frontman” Ian Gillan y los acordes de teclado de John Lord quién le daba a todo un toque especialmente solemne.
88. BLACK SABBATH - Paranoid (1970)
Tras el camino abierto por Led Zeppelín y Deep Purple se colaron otros británicos liderados por un cantante histriónico que en directo hacía cosas rarísimas. Su nombre era Ozzy Osbourne y decidió dar una vuelta de tuerca más al género en este “Paranoid”. El tema que da nombre al álbum se convirtió en un single escuchadísimo en las radios lo cuál era bastante poco usual para un tipo de música hasta el momento de carácter reducido. Además este álbum tenía un contundente ataque a lo que ocurría en el momento, concretamente a la guerra del Vietnam en la canción “War Pigs”. Luego estaba el celebérrimo “Iron Man”, homenaje al superhéroe de comic que con los riffs de la guitarra de Tony Iommi su introducción es absolutamente inconfundible. Curiosamente éste se había cortado unos días antes sus dedos en un accidente laboral, esto hizo que tuviera que tocar de una manera poco convencional para no lastimarse. De esa casualidad salió el sonido auténtico de un grupo sin el cual la historia del hard-rock no sería la misma.
87. GRAM PARSONS - GP (1973)
Gram Parsons es una de esas figuras que a pesar de su aportación a la música popular, no son especialmente reconocidas para el gran público. El fue el primero que se le ocurrió mezclar el rock y el country, después de el vendrían los CCR y The Band, pero el fue quién instauró la base. Había formado parte de los Byrds pero fue expulsado por su carácter innovador por lo que fundó los legendarios “Flying Burrito Brothers” dónde desarrolló su estilo y género. Gram llevaba tiempo intentando grabar en solitario, sin embargo sus problemas con la heroína y el alcohol (que le granjearon la amistad de Keith Richards) mantenían a raya a los productores. Al final su coleguismo con el productor Terry Melchor (hijo de Doris Day) hizo que publicara esta maravilla de trabajo en la que la voz de Parsons canta al más puro estilo clásico americano aderezado con guitarras acústicas y violines. Una maravilla. La balada “She” hace que los pelos del brazo se te pongan de punta, no en vano es pura influencia para Elvis Costello como él reconocerá mucho más adelante. En los coros está una aún desconocida Emmylou Harris quién quizás sea la continuadora de este estilo tras la muerte de Gram dos años después.
86. SANTANA - Abraxas (1970)
La historia del rock está llena de guitarristas virtuosos. Unos son reconocidos y otros pasan al olvido. El caso de Carlos Santana es distino. Sin poseer una técnica espectacular es uno de los mejores guitarristas que jamás han salido a la palestra por su feeling y su manera de concebir la música. Venía precedido en 1969 por el rotundo éxito en el festival de Woodstock con esa mezcla del rock, con ritmos latinos, percusión africana todo envuelto en un aire místico y de chamanismo. En “Abraxas” además de continuar con esa línea comienza a mezclar el blues en la versión del clásico de Fleetwood Mac “Black Magic Woman”, la balada en la famosísima (utilizada hasta en anuncios de colonias) “Samba Patí” con esa mezcla entre sutileza y salvaje manera de tocar la guitarra. Incluso llama a su colega Tito Puente para tocar una composición de este último en lo que será un autético himno de la música en general, el “Oye Como Va”, en el que mezcla, desde el son cubano (bueno pa gozá, mulata), el rock, el blues y el latin jazz. Este será el germen de un tipo de música llamado a partir de entonces el rock latino que influirá a otros grupos mexicanos como americanos.
85. DAVID BOWIE - Heroes (1977)
Bowie estaba en Alemania desintoxicándose tanto de las drogas como de su álter ego “Ziggy Stardust” que como Sherlock Holmes en Conan Doyle, le había acabado dominando. Entonces se juntó con el teclista de Roxy Music, Brian Eno y grabaron “Low” en 1976 para acabar con ese glam que tanto le pesaba. Un año después con la ayuda del genio de las seis cuerdas y líder de King Crimson, Robert Fripp empiezan a grabar bajo la influencia de grupos alemanes (la modernidad entonces) como Kraftwek, este “Heroes” que es una mezcla de techno-pop, new age y rock progresivo. La canción que da nombre al disco es una leyenda (en parte por las horribles versiones que se han hecho, desde una para un anuncio hasta otra en español de Parálisis Permanente), dónde David le canta a un par de amantes que una vez observó por su ventana y pensó que sería de ellos si nunca más se volviesen a ver. De ahí ese “podemos ser héroes, sólo por un día”. Luego están temazos como “Joe, The Lion” o “The Beauty and The Beast” pero son cuatro piezas instrumentals bajo la clara batuta de Eno, las que le dan ese toque místico a un álbum a la vez misterioso y fascinante. La triología alemana se completará un año más tarde con Lodger (1979).
84. FRANK ZAPPA - Apostrophe (‘) (1974)
Zappa había reformado ya en más de una ocasión a “The Mothers Of Invention” y entre reforma y reforma se tomaba un descanso en forma de álbum en solitario. Y de ahí nace esta joya que comienza con ruido de nieve y la historia de Nanook un esquimal que sale a cazar sólo y su madre le grita “No te comas la nieve amarilla” a la par que su huskie va dejando un extraño rastro. Esta sinfonía llamada “Don’t Eat Yellow Snow!/Nanook Rubs It” es la introducción a este disco en el que Zappa se divierte a sus anchas y por mezclar a parte de su habitual Jazz-Rock lo hace con el blues y el rock progresivo todo al ritmo funky impuesto por el batería de Lou Reed, Aynsley Dumbar y el bajo de otra leyenda, Jack Bruce. También tenemos ese “Father O’Blivion” dónde además de destacar sus habituales exhibiciones a la guitarra tenemos una feroz crítica clerical adornada por coros estúpidos perfectamente sincronizados. Y luego está “Cosmik Debris” ese cachondeo bluesrockero que no deja indiferente a nadie. Sólo para mentes inquietas.
83. ROLLING STONES - Let It Bleed (1969)
Los Beatles habían sacado “Let It Be” (Déjalo estar), pero los Stones mucho más salvajes en todo, e ironizando con la afición a todos a compararlos sacan “Let It Bleed” (Déjalo que sangre). Empezaban a ser un conjunto muy maduro que mezclaba de un montón de sitios, no en vano estaban en el grupo Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards y Mick Taylor cuatro mentes pensantes y a la vez muchos gallos en el mismo gallinero (de hecho es el único de sus álbumes en el que figuran estos componentes). El tema con el que abre es una maravilla “Gimme Shelter” en el que rock stoniano se mezcla con el soul más clásico donde Jagger y Mary Clayton, una cantante contratada arrancan una fuerza espectacular. Luego el “Monkey Man” son Ry Cooder y Al Kooper los que con su talento redondean el trabajo. Cerrando está esa leyenda llamada “You Can’t Always Get What You Want”.
Este disco de creatividad y de éxito se verá empañado por la muerte en extrañas circunstancias de Brian Jones, un enigma aún sin resolver, así como el talento de los Stones en este álbum.
82. JOE JACKSON - Night & Day (1982)
Joe Jackson era un pianista metido a rockero con actitud punk que la temática de sus canciones era enfado por su mala suerte con el sexo opuesto. Hasta entonces había hecho álbumes muy interesantes como “Look Sharp” pero es en “Night & Day” dónde se convierte en una especie de Cole Porter de los 80 para cantarle a Nueva York volviéndose ecléctico y mezclando, rock con pop melódico (Real Men) , techno-pop (en el superhit Steppin’ Out) , el power pop, la sinfonía (Chinatown), ritmos latinos (Cancer) y la balada trágica que no podía faltar en cualquier cosa que hiciera Joe Jackson (Breaking Us In Two).
Este trabajo es una delicia para paladares exquisitos dónde uno puede disfrutar de la sencillez y la placidez de la “easy listening music” mientras asiste a un espectáculo multiforme y multimelódico. Recomendable para todo aquél con buen gusto.
81. ALLMAN BROTHERS BAND - At Fillmore East (1971)
Los hermanos Allman eran Duane (teclados y voz) y Greg (leyenda de la guitarra) junto con otros socios del que destaca el Segundo guitarrista Dickey Betts. Ellos fueron los que crearon el género del Southern Rock, esa mezcla de rock’n’roll americano de toda la vida junto con el blues y el country y esa cadencia lenta pero de calado hondo. Probablemente sea el mejor disco en directo de la historia del rock. Venían precedidos del éxito espectacular en Woodstock por lo que superar ese hito era bastante difícil. Sin embargo en vez de grabar sus temas en estudio, tenían tanto nivel estos músicos que decidieron hacerlo rodeado de sus fans. El álbum se abre con “Stormy Monday Blues” y esa placidez con la que empieza será interrumpida por los interminables guitarreos de Greg Allman. Luego están otras joyas como “Hot Lanta” o esa sinfonía interminable instrumental de punteos que es “In The Memory Of Elizabeth Reed”. Pero sin lugar a dudas el tema que cierra el trabajo es el mejor de su carrera “Whippin’ Post”. Un disco irrepetible.
80. STEVIE WONDER - Innervisions (1973)
Steveland Judkins Morris era un chaval ciego casi desde nacimiento que cuando tenía cinco años aprendió a cantar y a tocar la harmónica. A los ocho sacó su primer disco, y su madre viendo que su hijo valía para esto de la música le compró un piano, una batería y un bajo. Stevie terminó siendo un virtuoso en cada uno de ellos (además de la voz) y como tenía un universo particular riquísimo lo termino exteriorizando creando un género musical personal. En resumen: UN GENIO. “Innervisions” era su catorceavo trabajo publicado cuando tan sólo tenía 23 añitos. El Soul o el Motown ya se le quedaba muy corto para definirle. Era una especie de Bossa-Soul con ritmos a veces funky, a veces jazz o incluso en alguna ocasión el amigo se ponía popero. “Too High” es el tema con el que abre, empieza con tranquilidad para convertirse en un prodigio del soul progresivo con un toque a lo Jobim. Luego está “Visions” (esa mirada a su propio universo interior), “Living For The City” (funky electrónico que habla sobre la delincuencia juvenil), “Higher Ground” (Funk-Soul para bailar) y “He’s Misstra Know-It-All” (balada que critica al presidente Nixon). Simplemente genial.
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