MARTHA DELGADO

13 08 2009

Martha Delgado (México DF) es una mujer que combina vanguardia y costumbrismo, una artista que está despega los pies de la realidad para difuminarla un poquito y mostrárnosla desgarradora y personal.

¿Quiénes son tus modelos? ¿Es gente que significa algo para ti o eliges alguien que sea acorde estéticamente a lo que buscas o es al azar?

La mayoría son personas que me fui encontrando en distintos lugares y viajes.
Algunas personas son gente conocida pero lo que busco principalmente es representar   personajes jóvenes y niños con ciertas características físicas; buscando un reflejo de inocencia, donde su personalidad me intrigue y donde la naturalidad del instante se manifieste.

¿Pintas con modelos o a partir de fotografías? ¿Y por qué?

Al principio realizaba apuntes directamente de la modelo, pero después sí fue necesario hacer un registro fotográfico, pero sólo como una referencia a la situación en donde me encontraba al personaje.
Realmente la fotografía es un apoyo, una herramienta más para la realización de la pieza, pero no es el fin ni el resultado ya que el proceso del cuadro toma un sentido que se aleja de la fotografía. El proceso me va llevando a las especificidades de la propia pintura.

¿Qué pintores o artistas han influido de manera especial en tu obra?

Realmente, en mis inicios no tenía uno en específico ya que de todos los grandes maestros de la pintura me han aportado algo en la manera de entender o resolver el color, la figura y la luz. Posteriormente,  conocí la obra de artistas como Caravaggio,  Velázquez, Leonardo, Botticelli, Bosch, entre otros; para culminar con la obra de Tiepolo que constituyó un parte aguas en mi obra.

¿Crees que hay un hilo conductor en tu pintura, desde que empezaste a pintar hasta la fecha? ¿Cuál sería?

Si, el interés por la expresión humana y la naturaleza, la fusión de lo divino con lo terrenal;  así como mi interés por la  luz, las atmosferas, los enfoques de la figura y lo más importante: la composición y construcción de la pieza.

¿Podrías explicarme el porque el título a tu pintura “inicio”? La pintura es bonita, aunque quisiera comprender el porque del título.

La obra  tiene que ver con una búsqueda muy personal sobre lo interno y externo del ser humano.
Para mí, el componer con la particularidad del vestuario blanco me permite identificar el motivo que me inició en esto: comencé por conocer la transparencia como el estudio de la luz en la ropa y los espacios abiertos, y me sumergí en ver las cualidades que tiene el tratar con todas las etapas del propio color blanco,  esto me permitió unificar mis personajes y al mismo tiempo no recurrir a lo más evidente como el desnudo, que por sí mismo nos caracteriza como entes espirituales, el color nos remite a esa parte mística que tenemos, pero que es fácilmente olvidada por querer poseer  una identidad propia, y olvidamos que somos una unidad.
Esta pintura fue la base para el desarrollo de las  20 pinturas siguientes.

¿Cómo fue que de trabajar con personas pasaste a pintar las nuevas piezas de árboles? ¿Fue un cambio paulatino o repentino?

Ya desde 1998 tenía cierto interés por las formas de la naturaleza de lo macroscópico a lo microscópico. Después retome el árbol como una manera de sutilizar características de la figura humana que estaba empleando en mi obra como: la luz, atmosfera, espacios abiertos y cerrados, y transparencias; en donde seguía siendo muy evidente mi tema principal, que es el interior–exterior. Encontré todas esas cualidades en un sólo elemento: el árbol, que me proporcionó un lenguaje menos literal y más metafórico de lo que venía trabajando con la figura, dándome la  libertad para  jugar y experimentar con distintos materiales sin dejar de pintar.

Me llama la atención que en tu trabajo convivan pinturas tradicionales, como la de Inicio, y trabajos que se acercan más a lo conceptual, como en Follaje. ¿Nos podrías hablar un poco sobre esto? ¿Se trata de una misma búsqueda o hubo un cambio radical en tus intenciones?

Realmente no hay un cambio radical,  he trabajando al mismo tiempo lo figurativo y las estructuras de árboles.  A cada uno le fui dando su proceso.
En los tiempos libres me he permitido ser más espontanea jugando con materiales alternos. La estructura  de la naturaleza  me llevó a buscar materiales plásticos (círculos de madera). Estas piezas son formadas por la observación y les doy una continuidad visual. En donde se produce la fenomenología de la luz natural del sol al traspasar por el follaje, donde se descompone  generando  círculos que son sólo luz, propiciando ya no la representación realista, sino que se abstrae el todo en un círculo. Así la misma búsqueda poco a poco me ha permitido  emplear nuevos materiales que siendo tan sencillos conforman  una  paleta básica del follaje en una circunferencia total que lo encierra.

¿Tus piezas con formatos irregulares han sido difíciles de acomodar en el mercado o no hay diferencia a los formatos más tradicionales?

Realmente no, pues han aceptado mi trabajo como una nueva posibilidad, así como la intervención del espacio en donde va ser colocada la pieza.  Generalmente  no hay un conocimiento sobre las nuevas maneras de presentar el soporte.  Al principio hace un poco de ruido, la gente no está acostumbrada a salirse de lo convencional; pero en el momento que la pieza es presentada tienen una nueva comprensión del objeto como algo novedoso y que propone salirse de la forma clásica del soporte.

¿Trabajas con alguna galería, independiente o te apoya algún dealer para el manejo de tu obra?

Si, tengo dos galerías que me promueven y me compran obra. También clientes alternos que han ido adquiriendo y mostrando mi trabajo en diversos lugares. Y no podría llamarlo dealer, pero si tengo una persona que es un intermediario con el que trabajo, él me promueve con sus clientes

¿Cómo ha recibido el público tus nuevos trabajos de círculos y esas nuevas piezas (Velo), que se separan del estilo representativo que era lo que conocíamos de ti?

Estas últimas piezas de la naturaleza generaron mucho impacto, pero han causado una reacción positiva y eso me permitió experimentar más.
En realidad no es algo que difiera del todo, al menos así lo concibo, para mí es sólo volver a lo más natural del proceso, los materiales y la forma siguen siendo parte de mi proceso pictórico.  No creo que se desligue una de la otra, todo lleva una secuencia. Sólo hago lo que el tiempo mismo y mi trabajo me han permitido. Mi búsqueda interminable me ha llevado a sintetizar herramientas, materiales y mis personajes. Sin duda esto tiene para más, y no dejaré de hacer la representación de la figura humana, pero sí creo que mi propia naturaleza me lleva a explorar más.

¿Crees que tus estudios y experiencia en restauración hayan aportado algo a tu propuesta?

La restauración me enseñó la importancia de la disciplina, concentración, planeación y cómo entender los principios de la cocina en la pintura; es todo un laboratorio químico y físico para obtener el máximo de los materiales y herramientas para construir y hacer perdurable el lenguaje de la pintura.

¿Qué aprendizaje has adquirido trabajando para televisión, si es que lo has tenido? ¿Para qué tipo de programas has hecho escenografía?

Fueron para programas de concursos,  lo interesante de eso era la diversidad de materiales con los que uno puede trabajar.  Aprendí a desenvolverme, así como a colaborar en equipo. Encontrando gente de diferentes disciplinas quienes enriquecen la experiencia de un determinado proyecto ya fuera escenográfico, museístico o cinematográfico.

¿Nos podrías compartir un poco acerca de tu proceso artístico? ¿Haces bocetos? ¿Cómo vas construyendo la pintura?

Cada pieza que he realizado cambia al momento de su ejecución, realmente sí hago bocetos previos, así como maquetas o  diseños a escala de cómo se irá conformando; aunque después el resultado sea distinto de como se planeó.
Tengo mi taller por Xochimilco eso me permite tener más contacto con mis modelos, así que salgo muy temprano de mi taller para empezar a  observar  todo lo que  encuentre a mi paso, tomando registros fotográficos.
En ese momento saco mis laminas para empezar a bosquejar, son momentos que pueden durar media mañana o alargarse hasta la tarde.
Regreso a mi taller, realizó más bocetos pero sin  modelo. Determino  la forma que tendrá el bastidor, continúo con la preparación, regularmente me tardo como 3 días en la preparación del soporte si son piezas grandes ya que hay que lijar y volver a imprimar hasta que me quede una superficie muy lisa.
En cuanto a los tiempos de ejecución de mis piezas, pueden duran de dos a tres meses para piezas grandes.

::Entrevista realizada por Eugenio Ross, Liliana Ang, Odette Paz y César Córdova::

::MENTES-INQUIETAS::


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